劇評

舞台は朝鮮戦争｛1950～53年）の特需景気に沸く北九州の港町。暴力、殺人、強姦……何でもありの無法地帯である。

そこへ（大戦に出征していた主人公の男が復員してくる。しかし、再会した妻は娼婦になり、進駐軍の黒人の子を産んでいた。町では、朝鮮人のぐれん隊とやくざの抗争が日常化し、誰もが他人をけ落としながら生きている。男には自分以外に頼るものがない町が、戦場以上の地獄に感じられる。そして、彼をだまそうとする男たちによって妻は毒殺され、終盤の血で血を洗うような殺りく合戦のなかで本人も命を落とす。

　けんか、男女の抱擁といった肉体のぶつかり合いや接触、暑苦しいくらいの言葉の掛け合いがこれでもかと続き、むせるような熱気がたちこめる。舞台のそのエネルギーに圧倒され、くぎ付けにされた。

　これを、荒唐無稽だが楽しめるドタバタ劇と見てもいいかもしれない。だが、それだけか。法律、道徳などの社会ルール、保護するもののない無秩序な世界に放り出された人間たちの素の姿に、観客の心は揺さぶられもする。

　生存するためだけに生きる、むき出しの生物的な生こそ人間の本質ではないか。残酷なエネルギッシュさが生の実相ではないか。そんな訴えを聞き取ることもできるだろう。それは、極限状態に置かれたとき人はどう生きるべきかという、有史以来繰り返し問われてきた問いでもある。

人間の本性は本当に救いがないものなのか。町の外から転任してきた巡査以外、すべての登場人物が死んで幕は下りる。立ち尽くす巡査の姿は、われわれ観客の姿でもある。　　　　

　一九五〇年に勃発した、朝鮮戟争の特需景気にわく北九州の港町。米兵の死体処理さえ庶民の生活の糧になる。
そんな港町で愚連隊とヤクザの喧嘩の最中、戦死公報が届いていた人斬り半次こと清水（谷宗和）が、幽霊の如く軍服姿で復員してきた。

　彼には岩（阿萬由美）という妻がおり、彼女は妹のエリー（坂井香奈美）と共に美人姉妹を売り物に娼婦をして生活をしのいでいた。しかも、岩は黒人兵の子供を産んでいたが、清水は初夜のやり直しから人生の出直しを決意する。男の心意気がにじみ出る。

　鶴屋南北の「東海道四谷怪談」をモチーフにしているというが、たとえ髪すきの場面をこしらえても、南北の"恨み"はなく、むしろ人間に対する"優しさ"さえ感じる。焼け跡の廃墟の中でヤクザと愚連隊の抗争は、お国のためから急展開し、生きるため、復興するためのエネルギーの爆発だとさえ思える。

　清水にしてもブラジルでコーヒー園を経営する夢を持っているが、南北の「金が仇の姿婆世界」に翻弄されての岩殺しだ。二層の舞台で、上では清水と彼の上官の娘との盃ごと、下ではもぐりの医者（塩野谷正幸）に毒を盛られる岩。流山児の生と死の対比の場面は、静謐な美しさを湛える。

　歌あり踊りあり、活劇ありのエンターティンメント作品だが、清水のポン友で朝鮮人の新井の言葉「戦争とか、人種とか、自分のあずかり知らんところで振り回されるのが嫌だ」が、ずしりと重い。今に続く永遠の命題だからだ。
　

作：坂口瑞穂、演出：流山児祥、流山児★事務所、ザ・スズナリ。これは流山児にしかできない舞台だ。終戦直後、朝鮮戦争たけなわの時代の北九州の港町。地元のヤクザと朝鮮人の抗争に駐留米軍の日系二世がからみ、復員兵も混じって、米軍の物資を奪い合い、警察はすべてみてみぬふりをこめこんで、街はほとんど無政府状態。この街では女たちは体を売る以外生きてゆけない。坂口は南北の原作を踏まえて、お岩、お袖の姉妹をパンパンあがりの姉妹にして物語の中心に据えた。　

開幕、流山児が「上海帰りのリル」を歌いながら、”パラダイス一座”の８５歳の瓜生正美と伊藤弘子の老夫婦を連れて出てくる。塩野谷正幸の機能的で見事な美術、本田実の音楽が流山児の意を呈して、このジェットコースターのようなめまぐるしＢ級活劇を支えて、流山児の無頼の魂が全編みなぎる芝居が出来上がった。ヤクザの親分が本多チェーンの社長本多一夫。２０代ら８０代までの大勢の役者が活躍するこの舞台は、終戦直後の日本人・朝鮮人の活力を描き、歌や合唱の効果的な挿入は、流山児の特技であるレビュー演出の華、彼の真骨頂が横溢した実に楽しい舞台だった。流山児★事務所初出演の伊達暁が肺病病みのヤクザを演じて生彩を放ち、塩野谷・伊藤のベテランが舞台を締め、日系二世の米兵と「四谷怪談」の原作では伊右衛門の家の隣の金持ちに当たる役の二役を演じたさとうこうじが相変わらず面白い。

流山児★事務所は９月には千葉哲也の演出で「桜の園」を上演する。流山児の活力は還暦過ぎても衰えをしらないようだ。

編集部：　次は流山児★事務所「お岩幽霊～ぷゑのすあいれす～」ザ・スズナリ／作＝坂口瑞穂／演出＝流山児祥／美術＝塩野谷正幸／出演＝塩野谷正幸、伊達暁、伊藤弘子、さとうこうじ、保村大和、上田和弘、谷宗和、里美和彦、冨澤力、坂井香奈美、武田智弘、阿寓由美、荒木理恵、山下直哉、滝本直子、流山児祥、本多一夫、瓜生正美）をお願いします。日本劇団協議会の創作劇奨励公演に選ばれている作品です。
山口：　タイトルから想像できるように、四谷怪談の人間関係をベースに置いた物語です。朝鮮戦争の頃の博多を舞台に、朝鮮人の愚連隊、日本人ヤクザ、警官、娼婦たちが入り乱れて生きています。　戦争で死んだと思われた男（谷宗和）が片腕を失って帰ってくる。これが伊衛門にあたる役です。彼の妻のお岩（阿萬由美）は、お袖にあたる妹（坂井香奈美）とともにパンパンをやっている。混沌とした街に「生きていた英霊」が帰ってきてドラマが動きだします。　黒テントの若い作家である坂口瑞穂さんによる台本では、伊衛門を悪者にしてないんですね。伊衛門はむしろ非常にいい人です。かっての上官から「うちの娘と結婚してくれ」と言われて、いったんはその気になったりはするんだけど。
河合：「俺には妻がいるから」と。
山口：　お岩がいると言って、ちゃんと戻るんですね。むしろ悪いのは、妹の恋人（伊達暁）。肺を病んでいる朝鮮愚連隊の青年です。　恋あり、冒険あり、暴力あり、そこに戦争の傷が横たわっている。テーマ性もある活劇エンターテインメントとして楽しく観ました。「オールド・パンチ」出身の瓜生正美さんと本多一夫さんが出演していましたが、恰幅のいい本多さんはヤクザの親分役が堂にいっていました。瓜生さんの艶々としたたたずまいが、戦後を全身で表現していて、こういうキャスティングは流山児さんうまいなあと思います。塩野谷正幸さんが演じた、おそらく中国で731部隊にいたのだろうというあやしい医者が、影を抱えている存在でした。
河合：塩野谷さんは、何かを内に秘めた怖い雰囲気があって、舞台を引き締める存在感がありました。とくにお岩を毒殺してしまう場面は圧巻でしたね。
山口：四谷怪談でいえば宅悦の役どころなんでしょうが、道化っぼい感じはありませんでした。
河合：得体の知れない感じだね。
山口：いわゆるお岩の悲劇にせずに、全体に元気で押し切った感じはあると思いますね（笑）。戯曲も演出も含めてその元気が流山児★事務所。
河合：息も切らせず最後まで突っ走る演出はさすがだと思います。お岩さん役の阿寓由美さんに歌わせたりして、エンターティンメントとして成立させていますしね。さとうこうじさんと伊藤弘子さん演じる代議士夫妻が「娘と結婚してください」と人斬り半次に無理強いするとき、急に不思議な演技モードに入ったりするおかしさもうまく機能していた。役者のエネルギーがうまく発散されていて大いに楽しめました。

　

流山児★事務所の７年ぶりの公演が７月９日熊本市健軍文化ホールで上演された。鶴屋南北の「東海道四谷怪談」を基に、劇団黒テントの芸術監督坂口瑞穂さん＝玉名市出身＝が書き下ろし、流山児★事務所代表の流山児祥さん＝荒尾市出身＝が演出した。朝鮮戦争の特需に沸く北九州市の港町を舞台にした青春活劇。約200人の観客は、20～80代の俳優陣による、全編九州弁のせりふ回しや殺陣に見入った。

「お岩幽霊～ぶゑのすあいれす～」　 2010年7月8日　西日本新聞　　塚崎謙太郎 　

ギラギラした熱情をもてあまし、手なずけながら、生き急ぎ、疾走する男たちと女たち。目の前で繰り広げられているのは「芝居」であるはずなのに、彼らの人生を間近で目撃してるかのような興奮におそわれた。
　戯曲は坂口瑞穂＝熊本県玉名出身＝　演出は流山児祥＝同荒尾市出身＝のコンビがつくりあげた、重厚で熱い群像劇「お岩幽霊ぶゑのすあいれす」（6月29日、東京のザ・スズナリ）に、舞台と客席を隔てる境界は存在しなかった。

　1905年6月、朝鮮戦争の特需景気で活気あふれる九州の港町。戦死したはずの男（谷宗和）が10年ぶりに舞い戻ってくる。かつてこの町で「人斬り半次」と呼ばれ、お岩（阿萬由美）という妻がいた。だがお岩は生きるために体を売り、米兵の子どもを産んでいた。半次の友人、新井（伊達暁）は米軍トラックから物資を強奪し、地元の博徒と抗争を繰り返していた。お岩の妹、警察官、代議士、もぐりの医者、死体処理請負人も絡み合いながら「東海道四谷怪談」を大胆に翻訳した活劇は、悲劇へと向かっていく。

　集団の歌と踊り、激しい殺陣も見どころだが、最大の魅力は個性の強い役者陣だ。20代から80代まで、層の厚い役者18人。その一人一人が熱を体から放ちながら、物語の世界に存在していた。半次役の谷を含む9人が九州出身であり、生きた九州弁がドラマを支えた。
　60年前、これほどに人間は熱く生きていた。翻って、いまの私たちはどうか。ジェットコースターじみた活劇の興奮からさめたとき、受け取ったメッセージの重さに気付くだろう。

１３年目の楽塾の熟年女性メンバーは鮮やかに一皮むけた。舞台でどうどうと演技を楽しみ、全員芝居の腕も上がった。

佃の脚本も良くて、１０数人のメンバーにそれぞれ見せ場をつくり、話の起承転結も無駄がなく、人物も話もぐいぐい客を引っ張った。最近ではオレには佃の最高の作品に思える。長野県の湖に浮かぶ水上レストランが閉店を余儀なくされ、伝説の名人シェフはカスピ湖の世界最高の岩塩を求めてアゼルバイジャンに行ってしまう。残された女給仕たちは男装して海賊になるしかなく、町の住人と対立するという荒唐無稽な話だが、一場一場が面白く、副人物たちも多様で飽きさせない。

　みんなの腕が上がったから、ミュージカル仕立てにし流山児の演出も冴えに冴えた。歌を芝居のかすがいにしてスピーデイに芝居を運ぶのは流山児の独壇場だ。１時間２０分のあっという間のジェットコースターだった。しかし、舞台に重みを与え支えたのは客演した肝付兼太と戌井市郎というパラダイス一座の重鎮だ。特に伝説の名人シェフを演じた戌井の当たりを払う存在感は畏怖さえ呼び起こす。

舞台。斜めった柱がいくつか。壁際に倒れかかる板。お話。斜陽のリゾート村。湖上にある海賊船を模したレストラン。幻の岩塩を探しに　カスピ海へ旅立った料理長を待つ間に海賊のよになってしまった女従業員。「彼ら」を追い出し、記念館を建設しようとする役所と主婦達。海賊船を守るかのように潜む、怪獣がため容易には近寄れない。そんなところに謎の中年カップルがやってきて。

溢れる演劇愛、滋味ある役者と演技にほろほろするねこ。歌とモブダンスが一杯の音楽劇体裁。急転する物語、散りばめた言葉とキャラ遊びがテンポよく繰り出され乗ってのせられて楽しい一時。達者な演技に、人生経験なのか滋味を乗せる役者達が　とても魅力的。演ずることの喜びがダイレクトに感じられて、思わず微笑むねこ。

御大・戌井市郎さんの渋くも洒落た演技も○。オールドパンチの復活も予定されているらしく、また楽しみが増えたねこ。

佃典彦の書下ろしを流山児祥が演出。カスピ海の岩塩を求めて旅立った伝説の料理長の帰りを待ちわびるうちに海賊に身をやつした湖上のレストランの女従業員たち。彼らを追放しようと画策する「記念館建設」の主婦連、湖に住み海賊を守る怪獣。そして謎の中年不倫カップル。　失礼ながら、平均年齢58歳、70代もいる素人役者の芝居には期待しなかった。93歳の戌井市郎さん目当てだった。が、戌井さんは体調不良で休演。残念。

　が、ステージが始まったら、役者たちに釘付け。出だしは「なんだこりゃ」。素人とプロの役者の違いは舞台にどう立つか。その立ち姿が違う。どんなヘタな役者でもプロはプロ。舞台に違和感なく立てる。しかし、素人はそうはいかない。見ただけで違和感ありすぎ。確かに、いくら稽古したってしょせんは素人。ところがぎっちょん。芝居が進むうちに、うまいヘタじゃない、今その場で役を必死に演じている役者たちの存在感が異様に膨らんでいく。つまり、役者がうまくなるにつれ、どんどん捨てていった夾雑物の残滓が、彼らにはまだ残っている。その夾雑物が魅力となって観客を圧倒するのだ。

　つまりは役者の存在そのもの魅力。これにはびっくりした。確かにうまい人もいる。というより、皆さん、芝居が達者だ。スピーディーな展開、言葉遊びによくついていける。その達者ぶりには、大笑い。近頃こんなに快い笑いをしたことがない。それもこれも、舞台で演じている役者たちの演劇への真摯な愛情が伝わってくるからだ。　ゲスト出演の肝付兼太さんや代役の流山児祥よりことによると上手い。

「ひとは元気で楽しいものを見ると元気で楽しくなる」をモットーに13年目を迎える中高年劇団＝楽塾。このスローガンを掲げ、毎年G・Wの時期に定期公演を続けている「楽塾」、流山児祥率いるところの劇団が今回は本拠地のSpace早稲田で佃典彦による書き下ろし（プラスあて書き！？）の新作を上演。

歌あり、踊りあり、コスプレあり（？？）、演劇界の重鎮ゲスト出演あり、の盛りだくさんの内容でスローガン通りの舞台を見せてくれた。何と言っても楽塾の役者ありきの芝居なので、戯曲の意図は？作者の訴えたい事は？？なんて堅苦しい事は言いっこ無し。はなから、とにかく役者一人一人を観て楽しんでくれ！！と言わんばかりのサービス精神いっぱいの１時間半。伝説の料理の超人、三ツ星鯛一郎（戌井市郎／流山児祥のダブルキャスト）の帰還を待ち続け、湖上にうかぶ落ちぶれたリゾート地のレストランで海賊になってしまった元の従業員たち、とその海賊船レストランを改造して地元の名士の記念館を建てたいと画策する市民団体のおばさん達。

舞台狭しと個性溢れるおばさま女優の皆様がたがテンポ良く、歌声軽やかに、軽妙なコメディを繰り広げて行きます。で、今回の目玉が何と言っても、流山児が率いるもう一つの高齢者劇団（こちらは劇団関係、演出家、劇場主など、の高齢者から成る）からの特別ゲスト、前述の戌井さんと肝付兼太さん、このお二人と楽塾女優陣との共演だろう。

絶妙なチームワークを見せている。いつも観客席側にいると、どうも演劇は観るもの。という観念から抜けきれないようになってしまっているのだが、今回の公演では「演劇は自らやるもの」と考えても良いのでは？という、新鮮なメッセージを受け取る事が出来た。演劇教育という理念の中にも、先日岩井秀人さんがインタビューでも語っていたように・・・・もっともっと演劇に関わる＝自らで演劇を作る（鑑賞して批評するだけでなく）を積極的に勧めていくというアプローチが加われば良いなと感じた公演でした。

「標的家族！」　　　テアトロ　　２０１０年　６月号　　　　フリンジ系評判記　　　　　　　　浦崎浩實

「標的家族！」　はコワい芝居。助けた相手の一家が日常的に受けているらしい世間からのいじめが、じわじわと主人公一家にも[感染]してくる。なさそうで、ありうる現代社会の不気味な気流をホラー化した秀作。

「標的家族！」　　江森盛夫の「演劇袋」　　　　　２０１０年２月２日

佃のテクストがいい。鋭利で巧みで面白い舞台だった。特定の家族を標的にして、子供じみた悪意でその家族の不幸につけこんで一家を破滅させてしまう、今の日本人の徹底したエゴイズムの荒廃感が舞台にむんむん漂よった。小林の演出もきっちり佃のテクストを生かした立派なもので、美術の小林岳郎も狭い空間を驚くほど立体的に見せた。演技陣も客演の下総源太朗を中心に文句のつけようがない芝居に仕上げた。ただ、最後に近づくと、盛り上がりが過剰になって批評性が薄れてゆき、スペクタクルになってしまった感じが残った。

「田園に死す」　　雑記帳（１）　　「もずくスープね」２００９年１２月２３日　　　あんどうみつお

And life is like a dream
Dream
The dream I long to find
The movie in my mind

(ミュージカル「ミス・サイゴン／The movie in my mind」より）

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もし寺山が生きていたら74歳の誕生日となったであろう2009年12月10日に、流山児★事務所『田園に死す』（原作：寺山修司、脚色・構成・演出：天野天街、音楽：J・A・シィザー、企画・出演：流山児祥）が開幕した。寺山修司の監督した長編映画『田園に死す』（制作・原作・台本・演出：寺山修司。撮影：鈴木達夫。音楽：J・A・シーザー。美術：粟津潔。意匠：花輪和一。出演：八千草薫、春川ますみ、新高恵子、高野浩幸、菅貫太郎、他。制作：九条映子、ユミ・ゴヴァーズ。配給：ＡＴＧ）が公開された1974年（昭和49年）12月28日からは、約35年後にあたるタイミングでもある。

映画『田園に死す』は、通常「寺山の自伝的映画」と紹介されるが、注意すべきは、けっして自伝映画ではないということだ。あくまで自伝「的」、あるいは自伝「風」映画である。「私」の過去を映画にしようとするものの、そこに真実を描かなかった現在の「私」が、過去の「私」に真実を伝えようとするメタ・ムーヴィーである。しかし、そこで語られる真実もまた、実は真実ではないということを、現在の観客たるわたしたちは知っている。

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「これは一人の青年の自叙伝の形式を借りた虚構である。われわれは歴史の呪縛から解放されるためには、何よりも先ず、個の記憶から自由にならなければならない。この映画では、一人の青年の“記憶の修正の試み”を通して、彼自身の（同時にわれわれ全体の）アイデンティティの在所を追求しようとするものである」（寺山修司／「『田園に死す』演出ノート」より）

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「終わったことは全て虚構に過ぎない」「歴史はどうにでも組み立て直すことが可能である」と考えていた寺山は、自身の過去も映画の中で組み立て直そうとする。しかし、組み立て直そうとしても完全に組み立て直しきれない「私」もまた、映画の「私」の中に、そして作者＝寺山自身の中に潜んでいるらしい。

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「どこからでもやりなおしは出来るだろう。母だけではなく、私さえも、私自身がつくり出した一片の物語の主人公にすぎないのだから。そして、これは、たかが映画なのだから。だが、たかが映画の中でさえ、たった一人の母も殺せない私自身とは、いったい誰なのだ？！生年月日、昭和49年12月10日、本籍地、東京都新宿区新宿字恐山！！」（寺山修司／『田園に死す』シナリオより）

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この映画を通じて、あるいはこの映画のベースにもなっている彼の自伝的歌集（もちろん、これも自伝を装った自伝「的」歌集である）『田園に死す』において、寺山は、「私」の解体を試みる。では、なぜ「私」は解体されなければならないのか。それは、「私」＝「自我」の重力に呪縛されていたからである。その背景には、「死」と隣り合わせの健康問題、母親との複雑な関係性、などなど、寺山ならではの特殊な事情が色々あったと考えられる。そんな「私」を解体し、自由になるために、寺山は、映画という表現媒体を夢のように機能させたのではないだろうか。

自身の欲望やら原風景やら幻視的オブジェやら現実的記憶やらを、フィルムの中に織り込んでみせた。フェデリコ・フェリーニの『８ 1/2』や『アマルコルド』の手法をさらに過激に推し進めたともいえよう。これによって、たしかに「私」の解体は進められたのかもしれないが、本当に個の記憶から自由になったといえるのだろうか。そのことでますます「私」の内的な全体像が浮かび上がるというパラドックスが生じたとはいえないだろうか。かくして「私」はいよいよ謎を深めるばかりなのだ。

とはいえ映画『田園に死す』は、寺山修司があらゆるジャンルで繰り広げた表現活動の中でも、最高峰の作品と一般的に評されている。彼の思想や方法論さらには内面的主題が詰め込まれているうえ、ヴィジュアルも音楽も撮影も、すべて独特で完成度が高い。公開当時、キネマ旬報1975年日本映画ベスト10では、第１位『ある映画監督の生涯　溝口健二の記録』監督：新藤兼人（ＡＴＧ）、以下、第２位『祭りの準備』監督：黒木和雄（ＡＴＧ）、第３位『金環蝕』監督：山本薩夫（大映）、第４位『化石』監督：小林正樹（東宝）、第５位『男はつらいよ　寅次郎相合い傘』（松竹）といった名作群のひしめきあう中、『田園に死す』は第６位につけている。尋常ならざる幻想実験映画としてはまあ健闘といってよいかもしれぬ（それにしてもＡＴＧの多いことよ）。

わたしは、公開から４年後、たまたま学校をさぼり観た。うぶで多感な高校生にとって、これほど圧倒された映画は他になかった。以来、現在に至るまで生涯のベスト１映画である（流山児祥氏に言ったら「変わってるねえ」と言われた）。この映画をきっかけに、寺山の他の映画や演劇（劇団天井桟敷）なども観るようになるが、『田園に死す』を超える衝撃はなかった。併せて、J・A・シーザーのことも、音楽の仕事を中心にそこそこ追っかけているが、わたしの中での最高傑作はやはり『田園に死す』の音楽なのだ（ジャパニーズプログレファンの間では御詠歌ロックの金字塔なども言われているらしい）。映画を観た頃には既にサントラ盤（アナログレコード）は入手不可能だったが、大学に入ると増山さんという先輩が所持していることを知った。そこで無理を言ってお借りし、テープにダビングさせてもらった。以来、2002年8月にデジタル・リマスタリングでCD復刻されるまで、20年近く、自分にとっては最も貴重な音源として大変役立っていた（親切だった増山先輩には改めて深謝！）。

「2009年12月に流山児★事務所で天野天街が寺山修司作品を手がける」、しかもそれがわたしにとって最も愛着の強い映画、『田園に死す』だと知らされたのは１年ほど前のことである。わたしの心境は少々複雑だった。『田園に死す』は、過去にも幾度か舞台化されたことがある。わたしは、その中の１つ、劇団☆ＡＰＢ-Tokyoの上演を3年前に観たことがある。寺山への熱烈なリスペクト精神が、この難物に挑む心意気やよし、されど、戦略性の乏しい分、どうしても粗がめだってしまい、ノスタルジーの域を超えるものにはなりえてなかった。まあ、そういうものはまだ微笑ましい。しかし、天野が手がけるとなれば、微笑んでもいられない。というのも、天野天街は、わたしが最も強く興味を抱き続けてきた演劇作家だからだ。

天野天街。名古屋を拠点に、劇団少年王者舘を主宰。極めて独特な作風の舞台作品の劇作・演出を数多く手かげてきた。また、もともと自劇団のチラシのために始めた独自のコラージュ美術が注目され、数多くの演劇公演の宣伝美術や、書籍の装丁に起用されている。さらには、映像作家としても活躍。なかでも1994年監督作品『トワイライツ』はオーバーハウゼン国際短編映画祭で日本人としてグランプリ初受賞（ちなみに寺山修司は1975年のオーバーハウゼン映画祭において『迷宮譚』で銀賞）。このように、ハイブリッドな多面体というべき天野天街が、寺山という大いなるハイブリッド多面体の、集大成とも結晶体とも称せられる映画作品を、一体どのように扱うというのだろう。まず、そう思った。

天野はかつて、澁澤龍彦『高丘親王航海記』、鈴木翁二『マッチ一本ノ話』、しりあがり寿『真夜中の弥次さん喜多さん』の舞台化において、原作の風味を損ねることなく、大胆に自らの演劇ワールドへと移植／転換／翻訳させることに成功せしめている。とはいえ、今回の取り組み相手は、寺山修司の映画『田園に死す』という、相当に手強い難物ではないか。…しかし、である。天野の思考回路は、まるで「夢」の如し。作劇においても「夢」の技法を駆使することで、「夢」的な原作を、舞台上の「夢」として描くことを可能たらしめてきた。

もちろん天野のソレは、陳腐で凡庸な「夢」的表現とは一線を画す。フロイトは「夢」の仕事の例として、置換・圧縮・視覚化・象徴化などを挙げたが、これらはとどのつまり「夢」の「編集」作業と呼べるだろう。天野は、自らまるごとマルチな「編集」アプリケーションソフトと化して、ストーリー、台詞、美術、音、文字、身体、さらには時間、空間、記憶、演劇的決まり事に至るまで、あらゆるリソースを、編集可能なマテリアルとして扱うことで、大胆な「編集」作業を進める。そこでは時間を行ったり来たりさせることなど当たり前。一人の登場人物が複数に分裂するなども日常茶飯事だ。切ったり貼ったり読み換えたりひっくり返したりのコラージュ的「編集」作業の過程において、事物に潜む思いがけない本質が偶然浮かび上がってくる。それらをさらにつなぎあわせて、リアルな夢の感触を構築する。そうなるまで、たとえ「遅筆」の誹りを受けようと、天野は執拗なまでに、「編集」を繰り返すのだ。すなわち、彼こそは「夢の編集職人」であり「偏執狂的編集狂」なのである。

そこで思い出されるのは、寺山修司の諸作品もまた、コラージュ性ないし「編集」性に満ち溢れていることである。いまや国語の教科書にも載るほどに有名な「マッチ擦るつかのま海に霧ふかし身捨つるほどの祖国やありや」（第一歌集『空には本』「祖国喪失」より）という歌も、富澤赤黄男の俳句「一本のマッチをすれば湖は霧」「めつむれば祖国は蒼き海の上」をコラージュしたものではないかと言われている。そのため盗作問題にまで発展したこともあったが、結果的として圧倒的に強烈な印象を人々に刻印したのは寺山の「マッチ擦る…」の短歌のほうであって、つまりは卓抜した「編集」能力の勝利といえる。天野との違いといえば、寺山の仕事のほうが、諸局面において教養人・知識人としての意識的な力を感じる。天野のほうは幾分、無意識的な作業の中から思いがけない偶然の効果を生み出すことが得意のように見受けられる。

ともかくも、寺山という編集職人の仕事を、天野という編集職人がさらに「編集」すると、どうなるのか。しかも『田園に死す』は、寺山において映画＝夢ともいえる。その夢の土俵で、夢職人たる天野はどのような戦略を描き、どのような仕掛けを発動させたのだろうか。

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昭和十年十二月十日に
ぼくは不完全な死体として生まれ
何十年かかって
完全な死体となるのである
そのときが来たら
ぼくは思いあたるだろう
青森県浦町字橋本の
小さな陽のいい家の庭で
外に向かって育ちすぎた桜の木が
内部から成長をはじめるときが来たことを

子供の頃、ぼくは
汽車の口真似が上手かった
ぼくは
世界の涯てが
自分自身の夢のなかにしかないことを
知っていたのだ

（寺山修司「懐かしのわが家」より）

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寺山修司は、映画『田園に死す』が封切られてから約８年半後の1983年（昭和58年）5月4日午後12時5分に、阿佐ヶ谷の河北総合病院にて死んだ。常に「死」と隣り合わせだった寺山にとって、それは「完全な死体」になることだった。その一方で、彼は「世界の涯てが自分自身の夢の中にしかない」とも書いた。そこで天野がまず企てたのは、寺山の夢＝映画の内側に入り込み、「世界の涯て」＝寺山の死の瞬間に時計の針をセットしたことだった。そうして、果たして本当に夢の中に「世界の涯て」があるのかどうかを問うたのではないだろうか。
　

「田園に死す」　　　雑記帳（２）　　　　「もずくスープね」２００９年１２月２３日　　　　　　　　　　　　あんどうみつお

映画『田園に死す』が、寺山修司自身による短歌朗読で始まることはあまりに有名である。一方、流山児★事務所の演劇版『田園に死す』は、思いがけない始まり方で観客を呆然とさせるのであった。

場内アナウンス「本日はご来場くださいま（して…）」の「ま」の音に頭の音がかぶさりながら「マッチ擦るつかのま」という台詞が突然発せられると共に、実際にマッチが擦られることによって暗闇に束の間の演劇空間が垣間見える。と、続いて「つかのま」の「ま」にかぶせれられるように、別の俳優によって「マッチ擦るつかのま」が発せられ、さらに別の俳優へと次々に連鎖してゆく。こうして、みるみるうちに舞台上には「マッチ擦るつかのま」の「間」＝「演劇空間」がどんどん穿たれてゆき、続いて、その他の寺山短歌群が洪水のように詠み出されれることで観客は、寺山をめぐる劇世界の中に、否応なく吸い込まれてゆくのだ。

そして遂に映画冒頭の寺山修司の声が舞台に降りてくる。「大工町米町寺町仏町老婆買う町あらずやつばめよ」「新しき仏壇買ひに行きしまま行方不明のおとうとと鳥」（歌集『田園に死す』より）。こうして観客に少しも息を継がせぬまま、舞台は映画『田園に死す』の主題歌、Ｊ・Ａ・シーザーの最高傑作「こどもぼさつ」の、全劇団員による合唱に突入する。

寺山ファンならば、天井桟敷の『盲人書簡』における、苦力が次々にマッチ擦る場面と融合するように、かの有名な「マッチ擦るつかの間海に霧ふかし身捨つるほどの祖国やありや」の一節が、かくも効果的に使われることに早くも感銘を受けるかもしれない。天野天街のファンならば、『マッチ一本ノ話』『マバタキノ棺』を頭によぎらせながら、瞬間の中に永遠を宿らせる儀式に、進んで己が身を投じるかもしれない。ともあれ、われわれ観客は、あれよあれよという間に『田園に死す』の世界へと引きずり込まれてしまったのである。

そこからしばらくは、映画『田園に死す』の流れに沿いながら物語が進行してゆくと見せかける。が、細部においては忠実ではない。主題歌明けての、最初の場面、故障した柱時計をめぐる主人公シンジの母と隣家の主人のとめどなく反復する会話。天野は柱時計と共にそこに流れる時間自体をも壊してしまうのだ。

観客はこの段階から、線的で一方通行的な現実の時間感覚を、徐々に失わされてゆく。その後も、この種の反復が随所に差し挟まれてゆくことで、観る者は、知らず知らずのうちにアナクロニスム（時間錯誤）の森に、奥深く、迷い込まされることとなるのだ。その頃になると、「昭和五十八年五月四日。敗血症」とか「あと三十五年…やりたいこと…やるんだぜ」といった、不吉な臭いのする言葉がさりげなく囁かれるのをわれわれは耳にするようになる。

寺山修司は、事実として昭和五十八年（1983年）五月四日、敗血症で47歳で死ぬのである。そして、芝居の主人公シンジは、「東京タワーは昭和三十三年（1958年）に建つ、まだ十年も先のことだよ」と語ることによって、とりあえず今、昭和二十三年（1948年）に生きていることがわかり、寺山修司の年表に照らせばそれは12歳ということになる。つまり寺山が死ぬ47歳まで、あと「三十五年」なのだ。

そのことに気づくならば、舞台中央の、壊れた柱時計の針がずっと同じ時刻に止まっていることに誰かが注目するかもしれない。12時5分。それは寺山修司の死亡時刻である。この演劇作品は、寺山修司が阿佐ヶ谷の河北総合病院で死んだ12時5分、その直前の刹那＝マッチ擦る束の間に展開した「夢」であると、そのように設定したと、見てとれるのだが、どうだろう。

そう意識した頃には、主人公シンジの住む村にサーカス小屋がやってくるのだが、原作の映画『田園に死す』のサーカス小屋シーンとは少々異なる話が展開されてゆくことに、われわれは「おや？」と思う。ここでは、一人の人物が二人に分裂・増殖する（実際の双子の俳優がつかわれる）スケッチや、（寺山が少年期に愛読したという）明智小五郎と小林少年率いる少年探偵団が登場するスケッチ、また、役者を演出する演出家のスケッチ、などが描かれる。

少年探偵団は、団員の一人＜ゼンマイ仕掛けの腹話術人形＞がはぐれてしまい、団長の＜小林少年＞がそれを探そうとする。＜小林少年＞は無線トランシーバーを通じてその声を＜ゼンマイ仕掛けの腹話術人形＞の口にとばすことができる。＜ゼンマイ仕掛けの腹話術人形＞は＜ワタシの本体であるワタシ＞＝＜小林少年＞を探さねばならないのだが、＜小林少年＞の言葉が口から出てきてしまうために、うまく＜小林少年＞を探すことができない。一方、＜小林少年＞は、すぐ後方に来ている＜ゼンマイ仕掛けの腹話術人形＞が、自分の声と同期してしまっているので、それと気づかずに前方を探し続けてしまう。こうしてこの二人は、それぞれ探す対象を探しあてることができないまま、周辺をぐるぐると、とめどなく回り続けることとなるのだ。この状態は、映画『田園に死す』における「私」探しの主題とも大いに関係するものではないか。だとすれば、劇中の＜作者の分身＞は＜作者＞を探すことができるのか。

次に、役者の演技にダメだしする＜演出家＞、しかしその＜演出家＞は、実は＜＜演出家＞を演じている役者＞であり、彼の演技にダメだしする＜別の演出家＞が現れる。しかし、その＜別の演出家＞も＜＜別の演出家＞を演じている役者＞であって、その演技にダメだしする＜さらに別の演出家＞が現れる。しかし、その＜さらに別の演出家＞の演技もまた、いままでの役者たちがダメ出しをする。マトリョーシカのような入れ子構造が、いつしか円環構造を形成するのである。実は、この種の円環構造が、この芝居の大きな鍵を握ることになることを後にわれわれは思い知らされるのだ…。

こうして、＜異界＞＝＜外部＞から訪れたサーカス小屋でシンジが出会った体験は、この後の劇の新たなる展開に向けた、通過儀礼とも煉獄体験ともいえそうだ。この後は、原作映画からのストーリーの乖離がますますエスカレートする一方で、寺山修司の色々な作品の断片や、彼の生涯や死にまつわる断片が、次々に闖入し、虚構と現実が入り乱れて、天野的流儀でコラージュされてゆく。さしづめ、サーカス小屋は、ある意味、寺山ファミリーの＜外部＞であり＜他者＞である天野が自分のドラマトゥルギーを全開にするキッカケを示すための装置なのではなかったろうか。同時に、それ以降は、寺山修司が死の床の夢で見ている走馬燈世界が、舞台上にどっと流れ込んできたようにも見えた。

　

「田園に死す」　　 文藝軌道　2010年4月号　「2009年秋から冬の舞台　劇評」　野平昭和

　一九七四年、寺山修司自身が製作した映画「田園に死す」が公開された時、奇妙な異和感の中で見た記憶が蘇ってきた。
　それまで舞台を通じて、あるいは活字で、幾度となく寺山自身が語ってきた　（もちろんフィクションを混えてだが）世界を、「記憶」というキーワードを使いながら更に新しく自伝を綴った作品として、これほど贋の自伝を手を変え品を変え作り続ける寺山の情熱に、却って傷ましいものを覚え、共感から遠退いたさびしさを味わったからかもしれないと思ったからだった。
　荒筋を書けば、母ひとり子ひとりで恐山の麓に暮らしている少年が、母と衝突しては恐山のイタコに亡き父の霊を呼び出してもらって父と話すために出かけ、一方、隣の家の若妻が好きになり、二人で家出をしてしまう、という話を、映画監督の自分が作っている自伝映画として見せる仕立ての話である。青森の市街が恐山の麓に変った、……というようなフィクションのことではなく、カメラというものは、山も樹も草も線路も、少年も、人妻も、その細部の不必要な部分まで撮り込んでしまうので、嘘と真実の差異は消えてしまい、映像上はすべて真実に転化してしまうことの、異和感と空しさが逆に観客にしっかり伝えられてしまうのだ。

　まだ四十前の若い身空で、生臭い母を抱えた身では、記憶をナマのまま復元出来ないもどかしさの中で製作されたにちがいない、と勝手に決めてから十年も経たないうちに、本当に四十七歳で世を去ってしまった寺山の遺作自伝映画を、まったく異なる視点から、遥か後代に生を受けた天野天街が再構築した舞台であることを知り、それこそ古い記憶とは無縁の、新作に接した時と、同じ気持ちで見られた。　寺山が今、この新作を見たらどう思うだろうと考えたのも一興だった。
　企画の流山児祥の言葉によれば、映画「田園に死す」＝「詩と死と私」の幻想世界を《現在の視点》で大胆に批評・シャッフルし、言葉と身体と映像の「『世界が眠ると言葉が目をさます』叙事詩劇として見事に再編集した。」とあって、なるほど、と舞台の成果と重ねて納得した。そしてそれこそまさにアングラ演劇の王道　（予盾した言い方だが）だ、と感心した。
　寺山がこだわって描き切れずに歯切れ悪くもたつく淀んだ世界（戦争、父の戦死、農村、東京、「身を捨つるほどの祖国」、「悲しき口笛」等の）の沼から這い上がれない記憶の世界とは無縁の、SF的、無機質の、ぴかぴか光る冷たい世界の（まさに今の世の）、「振り落とされないようにご注意」と警告された舞台だった。

　寺山と同じ淀んだ沼でもがいてきた老観客である筆者は、ただ呆然として舞台を眺め、蹌踉としてザ・スズナリを後にしたのだが、新三次元映画まで出現した現在、映像、群舞、暗黒、光のメカニックな世界に情念の世界を解放した舞台として、寺山作品が内包していた核の部分が拡大解放された成果と捉えれば、寺山の霊も浮かばれる筈だと信じたい

「田園に死す」　　 テアトロ　2010年3月号　「劇評歯ごたえのある舞台」　丸田真悟

　流山児★事務所の「田園に死す」　（原作／寺山修司、脚色・構成・演出／天野天街）　は一九七四年公開の同名映画を下敷きに舞台化したもの。映画は、母親と故郷からの逃避とその失敗を描いた自伝的性格の強いもので、現代の自分が過去の自分に遡り、それを自伝として映画に撮る過程を映画にするという二重三重のイメージのコラージュが独特の映像美で表現されていた。

　この極めて芳醇で堅牢な寺山の世界を、天野は個の肉体と言葉を捨てて、集団の身体と音声によって独自の演劇空間として立ち上げた。
　群衆が暗闇の中でひとりずつマッチを擦っては言葉を吐き出す幕開き、あるいはひたすらに同じ台詞を繰り返す場面、次から次に寺山のキーワードをしりとりのように繋いでいくラストシーン、さらに舞台全面にカラスの群れが飛び回る映像の中で俳優たちが語る場面や地面の穴に吸い込まれていくシーンなど、群衆処理と映像的手法に巧みな天野の演出は寺山との資質の親和性を感じさせる。また、映画では見せ物小屋の奇怪な人間たちが独特のキッチュな印象を創り出していたが、舞台では全員で歌い踊るシーン　（音楽／J・A・シィザー、振付／夕沈）が観客の緊張を解してくれる。
　

「田園に死す」　　 悲劇喜劇　2010年3月号　「2009年演劇界の収穫」　高橋敏夫

「田園に死す」(寺山修司原作、天野天街脚色・構成・演出、流山児★事務所）最初から最後まで執拗に「反復」を炸裂させる天野天街（脚色・構成・演出）のくわだてに、流山児祥をはじめ流山児★事務所の不逞の輩がひとりびとりの炎をかかげ騒然と合流、寺山修司版「自同律の不快」を今に赤々と燃えあからせる。やりなおせ、やりなおせ、性懲りもなくやりなおせ、というメッセージが、寺山おなじみのおわりがはじまりの曙光へと変じ、劇場スズナリの急傾斜の階段を舞台中央に照らしだす意表をつくラスト、劇場は一瞬の沈黙ののち深い感動につつまれた。
　

「田園に死す」　　 公明新聞　2009年12月18日　今野裕一　

　流山児祥のプロデュース、天野天街の脚色演出・構成、そしてキャラクター豊かな38人の役者たち。
オーディションによって役者を集め、さらに長期間の稽古をして初日を迎えた。
天野が主宰する少年王者舘の劇団員でもないのに、あの独特の幾何学的ダンスを38人が見事なアンサンブルで踊っていることでも稽古充分は見て取れる。それだけでもまず見る価値がある。これが演劇というものだ。

　舞台初日は、寺山修司の生誕日、本当に良い供養になる。芸術家への供養は、作品の先鋭性を理解しそれを乗り越えようとする姿勢で成り立つ。愛で敬っているだけでは駄目なのだ。寺山修司の映画『田園に死す』を戯曲に書き換え、今の地点から寺山修司の演劇的手法と生き様をクリティカルに描く。それでいて面白い。
とてつもないことを天野天街はして見せた。もちろんこの成功には、流山児祥のプロデュースの力も大きい。
　流山児祥は、今回、役者としても舞台に上がっているが、なんとも良い演技だ。
長い間、劇団を率いてプロデューサーとしても活躍している。にもかかわらずそのキャリアがないもののように新鮮に舞台に上がっている。その時、舞台での経験は不思議な昧になってでてくる。

　流山児は若手の劇団の活動にも積極的にコミットしている。同じ地べた、同じ板の上に立ってつきあっている。なかなかできることではない。その視線で天野を選び、寺山を見ている。天野天街の舞台演出は、もともと映画的な手法や文法を演劇に持ち込んだものだ。
　映画『田園に死す』を舞台にするのは、まさに水を得た魚のようなもので、寺山修司という虚構をこよな
く愛した演劇人を何人もの寺山修司、何人もの寺山の母を登場させて寺山ワールドの表裏を見せている。
　

『ハイライフ』 2009 年9月24日（木）　マカオディリー『ハイライフ』が吹かせた暴風李宇樑

最近の観劇経験から、面白い芝居が見れるかどうかは本当に「運」にかかっていると感じている。探していてもなかなか見つからない。ヒューコック実験室で上演された『ハイライフ』のように。これを見逃した演劇人は遺憾には思わないかもしれない、が、それは損失に値するだろう。

『ハイライフ』はカナダのリー・マックドゥガルが１０数年前に書いたブラックコメディーである。その内容は暴力、ユーモア、荒唐無稽、色々なものが含まれている。１９９６年、トロントの初演以来、何度もカナダで上演され、今回は日本のアングラ劇団流山児★事務所によって、カナダバージョンと日本バージョンという二つのスタイルの作品をマカオに持ってきた。私が見たのはカナダバージョンである。

劇場に入ってみると舞台後方には大きな銀幕がかかり、ハリウッドの６０年代の白黒映画が放映され、まるでハイライフの予告編を観客に見せているようであった。

物語はディックの銀行強盗をして大もうけをしようと言う計画に始まり、バグ、ドニーそしてビリーをそれぞれを説得する。４人の性格の違いは鮮明である。４人の共通点はモルヒネを嗜好するという点だが、お互いの間で摩擦が起こる。デックの計画は天衣無縫聞こえるが、バグは毎回牢屋に入ることになる。今回の計画も同じだ。銀行のATMが壊れたと言い、そこに武装をしていない修理屋が来ると、ATMのお金を奪おうというのだ。４人が車の中で待つプロセスの中でたくさんのユーモアとブラックユーモアが起こる。観客はお腹を抱えて笑っていた。例えば車のそばを警官が通る時、駐車違反だと疑ったり、免許所を持っていなかったり。そして最後に４人は対立し、凶暴な性格のバグは事なかれ主義のビリーを殺してしまう。ディックの命令の下、全ての罪を気が小さいドニーに押しつけてしまう。皮肉なことにディックはずっとドニーにバグから守ってやると言っていた。観客は彼らの性格的矛盾と葛藤のプロセスの中で、滑稽荒唐が暴力兇暴へ変化することを目撃する。荒唐無稽と演劇の張力を十分に表現しているのは、演出家・流山児祥の功労なのである。

『ハイライフの』セットはとてもシンプルで、多くのシーンは役者の動作で表現される。車の中でのシーンは丸椅子が４個あるだけである。その体と動作で観客に車のイメージを与える。正確な効果音が車の設備を描写する。四人のジャンキーは、小劇場のなかで幾度となく薬を注射し、観客は本当に打っていないと知っていても、身が痺れる思いを体験する。

３人の役者は５０前後の中年であるが、敏捷な動作はとても細かく的確で、パワーがみなぎっている。その中でもドニーを演じる保村大和は特に表情が豊富で、目の表現が印象に残っている。

『ハイライフ』の作・演出・俳優・スタッフ共にハイレベルが結集しこのような感動を作り上げた。さらに小劇場という共鳴空間で直接観客の腎臓に暴風を吹かせた。

『ハイライフ』 2009年9月27日（日）文匯報　─《高級生活》日本の小劇場『ハイライフ』を語る文：陳國慧

ここ数年、香港・牛棚劇場で２本の日本の小劇場作品を見た。去年は日本小劇場第２世代の流山児祥が率いた寺山修司の『狂人教育』、その前にはパパ・タラフマラがチェーホフを元に作った『三人姉妹』。これらの作品はそれぞれに特色を持ち、期せずして日本の俳優のすぐれた肉体や炸裂するパワーを見せてくれた。これらの公演は小劇場空間に人の魅力を放出した。『狂人教育』はマカオから香港に見に行く観客もいた。が今回流山児が率いた『ハイライフ』は香港では見れず、マカオで、もしくは台北でしか見る機会がなかった。

流山児がマカオのアングラ空間に出現のは意外なことであった。香港の牛棚劇場は今では観客や演劇人に認知され、自主的な実験の場所となっている。香港では牛棚劇場以外にも最近は工業ビルや喫茶店などで、小劇場の可能性が試されている。が、マカオ（の小劇場）では、（演劇実験というよりも）むしろ公立の劇場が少ないという政治的意味が濃い。独立した表現空間を自分たちで作らなければいけない。牛房倉庫、窮空間、暁角実験室などはすでにマカオのアングラな表現空間として、青少年の新作を支持し、よく利用されている。また近年行われているマカオフリンジも都市空間の中で表現空間の可能性を探っている。

今回、『ハイライフ』は暁角実験室で上演された。マカオで３０年の歴史をもつ空間である。この空間には沢山の制約がある。床と天井の距離、照明設備など。しかし小さな公演をするのには、観客という要素をどう芝居に介入させるか、調節するかなどで、作品に違った色を発揮させる可能性がある。

『ハイライフは』原作がリー・マックドゥーガル、カナダの俳優であり劇作家である。作品は４人の社会底辺の人間が、完璧な銀行強盗をして大金を手に入れ、それぞれが夢の『ハイライフ』を過ごせることになっているというものである。資本主義社会の犠牲となり社会の中での敗者は、麻薬を提供することで同じ空間を共有し、混沌とした空気と暴力的な言語でコミュニケーションを取り、暖を取る。これは大都市と都市の人々に潜んでいるものである。演出はそれに慈悲を施すことなく、媒体に操られている社会の敗者の悲哀を、「ハイ」というユーモアを持って、「社会底辺」という定義を引っ繰り返している。

演出家はこの小さな空間で最強であり、最も原始的な生命力を呈している。例えば、病気だらけのスリのドニー（カナダバージョンでは保村大和が演じる）は非尋常的な自嘲能力を持ち、自分を理解すると同時に、他人に笑われ人に踏みつけにされ、最小限の生きるための尊厳しか持っていない。彼らがハイライフを夢見れば見るほど、彼らの現実生活の惨めさが際立ち滑稽なものに見える。計画が最後に失敗して、ドニーは一人刑務所に入り（観客に）色々考えさせる。社会底辺の生活は一体本当に存在の実感とパワーがあるのだろうかと。

流山児は日本の小劇場の第一世代の唐十郎や鈴木忠志の洗礼を受け、小劇場に存在する抗争パワーと再考意識を信じて、また社会問題を取りあげて、それを同時に劇場で実践する。たとえば年長者の劇団は消費主義が日本の小劇場を侵食していることへの抗争創作である。

小劇場で何ができるのか？作品を通して（演出の）技量を見せると同時に小劇場では俳優の個性と長所を発揮させながら、演出家は演出処理を実践していかなければならない。俳優を輝かす、これが小劇場で一番かっこいいことである。『ハイライフ』（カナダバージョン）の４人の俳優のパワー、テンポの調整はお互いの間での暗黙の了解となっている。また俳優だけではなく、音響、照明とも合っていて、車の中での濃厚な空間と緊張感を発揮できている。ドニーを演じる俳優は事の外、素晴らしく、現場にたくさんのユーモアを生み出した。が、観客が一番笑っている時こそが、一番（自分の生活を）再考しなければならない瞬間であった。場末の表現空間で、社会の敗者の芝居をする、本当は誰が敗者なのか？これが流山児祥がマカオと香港の小劇場に残した啓示なのである。

　「座・高円寺」という小さいが工夫して創られた新劇場で、五月二九日～六月二八日まで一ケ月の間ミュージカルが、流山児事務所創立25周年記念公演として行われた。
これだけでも私が興味を持ったのは、全国各地にロングランして廻り一万円の入場料で多勢の観客を吸収している「四季」を思い浮かべないわけにいかなかったのは、ミュージカルとあったからである。入場料は半額、場所は狭く、しかもミュージカル初めて、とあっては、開幕前から、どうなることか、という興味というか、心配が先に立ってしまったのだ。結果を先に書けば、すべて杞憂に終り、逆に、商業ペースではないミュージカルの原点に接したのだ、というすがすがしさの気持さえ噛みしめて新劇場を後に出来たのは収穫だった。

　お話は至って単純で、近来来のある日、水が極端に不足してきて、この町でも節水のため小便まで管理されることになり、（ユーリンとは小便ということ）特定の有料トイレの他は使用禁止で、禁をやぶれば、処刑、実は小便管理会社社長（塩野谷正幸）と政治家と警察は同じ穴の狢なのである。
貧しい民衆が小便も出来ずに倒れて行くのに抗して起ち上ったボビー・ストロング（遠山悠介）は屋上から突き落とされて処刑されてしまう。小便管理会杜の娘のホープ（関谷春子）はボビーの恋人で、ボビーの意志を継いで起ち上り、父と対決して、起ち上った民衆の先頭に立って勝利をおさめる。
めでたしめでたしで、ここで終れば安手の革命劇だが、狂言廻しでもある警官のロックストック（千乗哲也）が、事態は元の木阿弥、水が枯渇して再び地獄が始まるのを告げ、革命の破綻で幕となる。開幕の時、ラストのどんでん返しに注意と言って劇を進行させて行く方法で、二幕、休憩を挟んで三時間のミュージカルが展開する。一糸乱れぬマネキン風に人物が動くキレイなミュージカルではなく、ときに普通の舞台劇風にも展開する、いわば三文オペラ風のところもある楽しいミュージカルだった。他に伊藤弘子、三ツ失雄二、上田和弘、栗原茂、大久保鷹、曽我泰久、坂井香奈美、関谷春子、有希九美、石橋祐、植野葉子、平野直美、稲増文、井村タカオ、柏倉太郎、鈴木啓司、木内尚、里美和彦、山下直哉等が出演している。　（座・高円寺／5・29～6・28）

「ユーリンタウン」　　　「太郎の部屋」　09・７・15号　　　　　　　芝居の日　　　　鈴木太郎

　流山児★事務所「ユーリンタウン」（東京：高円寺・座・高円寺1）。脚本・詞・グレッグ・コティス、音楽・詞・マーク・ホルマン、翻訳・吉原豊司、台本・坂手洋二、演出・流山児祥。劇団創立25周年記念公演。「集団劇としてのブロードウェイミュージカルをやる！」という無謀な試みは見事に成功した。50人以上の俳優たちが歌って、踊って、躍動する舞台は、演劇のもつべき祝祭性に満ちていて、5月にオープンしたばかりの公共劇場にふさわしい幕開けとなった。音楽監督・荻野清子のピアノを軸とした楽曲、工夫された客席と舞台の空間が一体となる演出はさすがというほかはない。
　タイトルを直訳すると「ションベンタウン」。オフ・ブロードウェイなどでヒットを飛ばした作品。近未来の架空都市。水飢饉のなか水洗トイレが廃止される。公衆トイレが有料になり、管理する資本家とホームレスとが対立する。そのなかで、若いひとたちの恋も生まれてくる。ちょっと「三文オペラ」風でもある。千葉哲也が警官に扮して狂言回しの役割で登場、マイクで物語の展開を解説する。若い恋人役になった遠山悠介と関谷春子も熱い演技をみせていた。脇にまわった塩野谷正幸、三ツ矢雄二などのベテランが存在感をみせるとともに坂井香奈美が若手のリーダーとして大活躍をみせていたのが嬉しい。
　

癒着する企業家と権力者の犠牲となっていた底辺の人々が反旗を翻し、「おしっこする」自由を勝ち取る。そんな甘々なめでたしめでたしはクソくらえ！とばかりに、彼らの無防備な自由はさらに水不足を招き、自ら命を縮めてTHE END。権力者＝悪、民衆＝善だけに終わらない、これぞ真の反骨ミュージカル。ハッピーを求めがちな観客やミュージカル的なお約束を茶化しているのも同じく。小劇場万歳！こんな熱のある作品、もっと観たい。

「ユーリンタウン」　　　読売新聞　2009年7月15日　第17回読売演劇大賞　中間選考会報告
2009年１月から6月公演の5部門のベスト５（ノミネート：参考作：演出賞部門）に流山児祥が選ばれる。
「ユーリンタウン」の流山児祥は若い俳優を多数起用し、わい雑なパワーに満ちたミュージカルに仕上げた。

「ユーリンタウン」　　　テアトロ２００９年８月号　劇評「力強いユーリンタウン」　　　林あまり

　流山児★事務所「ユーリンクウン」、楽しかった。台本、演出、演技のすべてが気持ちよく響き合う。（G・コティス脚本・M・ホルマン音楽、吉原豊司訳、坂手洋二台本、流山児祥演出、5月29～6月28日、座・高円寺1）　水不足のため、トイレがすべて有料になった街。貧乏人は、もれそうなお腹を押さえながら、一番安い便所に並ぶ。それすら払えない者は、道端にたれ流すはかない。そこへ警官がとんできて、逮捕され、なんと死刑にされてしまう。ついに人々は「自由に排泄できる権利を！」と立ち上がる――。

　坂手洋二の台本が見事だ。戯曲の構成はあまりいじらずに、もっぱら歌詞やせりふを耳になじむものに書き替えた。いわゆる翻訳劇を観るときの、どぅしても感じてしまう少し遠い距離のようなものを、ていねいに埋めてくれた。吉原の地道な仕事の上に、坂手が現場の生命力を与えた。

　役者も充実している。全体を締める狂言まわしの千葉哲也の安定ぶり、坂井香奈美のひたむきな純情、さっさと殺されて亡霊となる大久保鷹のマヌケな存在感、伊藤弘子のいい女っぶりなど、誰もがのびのびと演じている。歌も力強くて、テーマソングが今も耳に残る。

　座・高円寺のこけら落としが、猥雑な魅力を持つ演目だったことは、劇場の覚悟と意志を表している。私たちは、本気でこの街で生きていきたいんだ、と。

「ユーリンタウン」　2009年7月4日　千葉日報　　　　　ミュージカルランド　「上半期の収穫」　　御木平輔

今回はちょっと毛色の変わったミュージカルを紹介しよう。ロードウエーには、小予算で実験的な作品を上演する、いわゆるオフ・ブロードウエーのミュージカルである。
最近はこのオフ・ブロードウェーでヒットした作品が日本でも上演されるようになった。これも新しい潮流である。益々、日本の演劇状況のすそ野が広く深くなってきたようだ。

　5月、高円寺に公共劇場「座・高円寺」がオープン。
その柿落としの一つが「ユーリンタウン」　（脚本・詞＝グレッグ。コティス、曲・詞＝マーク・ホルマン）だ。訳せば「おしっこの街」か。2001年にオフからオン・ブロードウェーに上がった。04年には宮本亜門演出で日本初演。

《地球温暖化で…水不足。家の水洗トイレは禁止され、有料トイレしか使えない。違反すれば罰金だ。そこで貧しい人々が立ち上がるのだ》。まるで「蟹工船」の世界。

70年代の歌あり踊りありの破天荒なアングラ芝居といった趣だ。歌やダンスに荒っぽさも目立つが、音楽監督。荻野清子の軽みのスパイスが効いて、ほどよい感じに仕上がっていた。ヒロイン関谷春子の清清しさ、ションベンジジイ・大久保鷹の怪優ぶり、＜私的解釈＞で挑んだ台本の坂手洋二、そして演出・流山児祥の勇断に拍手！！再演を望む。

　「ユーリンタウン」　　月刊ミュージカル　２００９年７月号　　ミュージカル時評　～「変革」を描く2つのミュージカル～　　扇田昭彦　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　
　

　抑圧的な体制に反抗する若者たちを措くブロードウェイ・ミュージカルが2本、東京で相次いで上演された。流山児事務所が上演した話題の公演『ユーリンタウン』と、テレビ朝日、ホリプロなどが主催した　『ヘアスプレー』　の来日公演である。同じように「変革」を描きながら、2つの舞台の味わいは対照的と言っていいほど違う。

　演出家の流山児祥が率いる流山児事務所は小劇場系、と言うよりもアングラ演劇系の演劇ユニットで、今年で創立25周年を迎える。演劇を中心に音楽劇も上演するが、ブロードウェイ・ミュージカルを手がけるのはこれが初めてだ。　とは言え、『ユーリンタウン』（グレッグ・コティス脚本・詞、マーク・ホルマン音楽・詞）はオフ・ブロードウェイからブロードウェイに進出し、02年のトニー賞で3つの賞を獲得した作品だし、内容的にもブロードウェイらしからぬ異色作だから、流山児事務所にはふさわしい作品だった。04年にホリプロが宮本亜門演出により日生劇場で日本初演したが『おしっこの町」（ユーリンタウン）で展開するこの作品は日生劇場の豪華な雰囲気には合わなかった。

　さて、今回の流山児祥演出の　『ユーリンタウン』　は今年5月に開館したばかりの杉並区の公共劇場「座・高円寺」で上演された。吉原豊司の翻訳をもとに社会派色の強い劇作家・坂手洋二が台本を書き、三谷幸喜の演劇・映画の音楽でも知られる荻野清子が音楽監督とピアノ演奏を担当した（水谷雄司美術、北村真実振付）。　開場時、普通の劇場の人口を使わず、舞台装置などを運びこむ搬入口から舞台上を通って観客を客席に導入するのが面白かった。観客の案内係は警官に扮した若い男女の俳優たちだが、その口調はぞんざいで、「ケ一夕イは切っといてね」「アンケートは必ず書くように！」などと命令口調で語りかける。舞台となる「ユーリンタウン」　の抑圧的な管理体制を早くも実感させる趣向である。

　ほぼ三角形をした舞台は大きく張り出し、その両側に客席がある。しかも、左右の客席の高さが違うという、かなり変則的な劇場構造だ。　まず、印象的なのはクルト・ワイルを連想させる魅力的な音楽の響きと耳に残る旋律。カオス的な活力とさめた才気が結合した音楽だ。ブレヒトとワイルが組んだ　『三文オペラ』　に似て、この作品も鋭い社会性と喜劇性、そしてメタシアター的な批評性を多く備えた音楽劇だ。

　異常渇水に見舞われ、住民すべてが有料の公衆便所に並ばないと大小便ができなくなった町。公衆便所を独占的に管理し、町を支配する強欲な会社に反抗して、貧民たちが立ち上がる。リーダーは、トイレ管理人（伊藤弘子）の助手だった青年（遠山悠介）。青年は体制側に殺されるが、青年の恋人で、トイレ会社の社長（塩野谷正幸）の娘（関谷春子）が彼の遺志を引き継ぎ、「革命」はとりあえず成功する…。劇全体の狂言回しを務めるのは、千葉哲也が演じる悪徳警官だ。

　48人に上る演技陣は活気にあふれ、過剰で猥雑で陽気なエネルギーを放射する。全体的に歌もダンスも洗練されているとは言えず、中には歌が下手な俳優もいるが、この作品に必要なごつごつした底辺のエネルギーは確かに感じられる。荻野清子が率いる4人編成のバンド演奏は快調だ。歌唱力のある伊藤弘子、ホームレスの少女役の坂井香奈実らの好演も印象に残る。従来型の商業ミュージカルのシステムによらない、こうした「オレタチのブロードウェイ・ミュージカル」（流山児祥）の登場に注目したい。

　だが、このミュージカルの後味は相当苦い。「革命」派は勝利するが、その結果、町の水源は枯渇し、独裁的な前社長のやり方の方が効果的だったことが分かる、という結末なのだ。観客のハッピーエンド願望に水をかける強い異化作用を伴うシニカルな終幕だ。これは個人的な想像だが、この苦いエンディングには、独裁体制の崩壊後、民族対立、宗教対立などが激化した1990年代以降の東欧、中東などの現状が反映しているのかもしれない。

　さて、もう1つの　「変革」を措くミュージカルは、，07年に続いて2度目の来日公演となる『ヘアスプレー』（マーク・ガシャイマン作曲・作詞、ジャック・オブライエン・オリジナル演出、マット・レンツ清出）だ。前回の東京公演は渋谷のオーチャードホールだった　が、今回は新宿の厚生年金会　館大ホールだった（6月2日～14日。）。　今回は国際ツアー租の来日で、主役のトレイシーは、前回の来日公演と同じ、ブルックリン・プルバー。トレイシーの母親エドナを女形で演じるのも、前回と同じ、ベテランのジェリー・オーボイル。それ以外の演技陣は全員入れ替わり、前回より若い顔ぶれが多かった。

　舞台を観ながら、不当な黒人差別を続ける地方テレビ局に対して、黒人たちと連帯して差別撤廃に立ち上がり、合わせて肥満をはじめとする容姿に対する世間の偏見をも晴らしていく女子高校生トレイシーの、ためらいも屈折もないまっすぐな変革志向の精神に改めて驚きを覚えた。自分の太った体型にもまったくコンプレックスを持たず、仲間たちの善意を信じて前へ前へと進んでいく楽天的な姿勢。それはまさに自由と未来を信じるアメリカ的な精神であり、それはブロードウェイ・ミュージカルの精神にもつながっているのだろう。

　当然、この楽観的な前向きの精神は、変革の輝きとその挫折を措く『ユーリンタウン』のシニカルな味わいとはずいぶん違う。そして　『ユーリンタウン』　の苦い幕切れに感銘を受けた私は、『ヘアスプレー』の乗りのいい音楽を楽しみながらも、その陰りのないハッピーエンドに軽い違和感を覚えたのだった。
　　　　　　　　
　

「ユーリンタウン」　　東京中日スポーツ　2009年6月25日　「ミュージカルに新星！！関谷春子に熱視線」　　本庄雅之

　ミュージカル界に新星が現れた。東京・高円寺北に完成した新劇場「座・高円寺」で上演中のミュージカル「ユーリンタウン」　（坂手洋二台本、流山児祥演出）でヒロインを演じている関谷春子が、連日熱演。第一線の演出家、プロデューサーらが劇場に詰め掛けている。

　オフ・ブロードウエーで2002年にトニー賞3部門に輝いた作品。地球上の干ばつで節水を余儀なくされた近未来が舞台。人々は有料公衆トイレの使用を義務付けられ、違反すると「ユーリンタウン」に送られてしまう。実態不明のユーリンタウンとは何か。不満を爆発させる貧民街の人々と、トイレを管理する側との衝突。一見とりとめなさそうな世界に、現実の世界（日本）が重なる面白さがある。

　掃きだめに鶴のような状況で登場する関谷は、ふとした出会いから現実に目覚め革命の旗印となるヒロインを、堂々と演じ、透明感あふれる歌声で物語をけん引する。
　関谷は、約300人の中からオーディションで選ばれた。慶応大学文学部出身で、舞台経験はあるがメジャー作品での主演は初めて。今後の活躍が期待される。
　

「ユーリンタウン」　毎日新聞　　2009年6月25日朝刊　　「水資源が枯渇した近未来を描くミュージカル！」　明珍美紀

　地球温暖化で水資源が枯渇した近未来の街の人々を描くミュージカル「ユーリンタウン」が杉並区立杉並芸術会館「座・高円寺」で上演されている。
　地球が干ばつに襲われ、深刻な水不足で公衆トイレも有料化。資本家が金もうけをたくらみ、排せつ行為さえも制限される格差社会に自由を求めて人々が立ち上がる。

　米ニューヨークのブロードウェーに進出してヒットした社会派ミュージカルを日本で舞台化。演出家の流山児祥さんらが、5月に開設された座・高円寺のオープニング記念にプロデュースした。　「劇場は市民が交流し、自由に創造するための広場でもある。不況で民間劇場が次々と閉鎖に追い込まれる時代に、演劇の原点を見つめたい」と流山児。

先月末から始まった公演では、週末や休日に「ユーリンタウン祭」も開催。上演前に地元の阿波踊りなどのグループが登場している。
　

「ユーリンタウン」　　　日本経済新聞　　2009年6月24日夕刊　　「ステージ採点」　河野孝

有料公衆トイレの使用を義務付けられた貧困層が革命を起こす米国発のミュージカルで、「座・高円寺」開場記念で上演。

革命が成ってめでたしかと思えば皮肉な結果が待つ。ブレヒトの三文オペラが基にあり、知的で娯楽性もある。
歌や踊りのうまさよりも演劇的な面白昧を優先させて奏功。ただし歌のメッセージは伝わっている。

「ユーリンタウン」　　公明新聞　2009年6月20日　　「役者が活発に動き回る演出に精彩！」　　七字英輔

　5月に開館した劇場「座高円寺」で、流山児★事務所がブロードウェイ・ミュージカル「ユーリンタウン」　｛G・コティス脚本・詞、M・ホルマン音楽・詞）を上演している。2002年にトニー賞の作詞作曲賞などを受賞した作品。ニューヨーク・フリンジ（外縁）発の芝居とはいえ、小劇場劇団がこうした舞台に挑むこと自体きわめて珍しい。

　　旱魃で水不足が深刻化した近未来、人々は有料の公衆便所を使うことを義務づけられ、金を払えず洩らした者は、逮捕・追放される。
その管理会社社長（塩野谷正幸）がこの町を牛耳っていて、やがて貧民たちは町で一番汚い便所の管理人助手の青年（遠山悠介）に率いられて革命を起こす。そしてそれは成功したように見えたのだが――――。

　狂言回しの悪徳警官（千葉哲也）によって最後に語られる未来は、決して明るいものではない。こうしたディストピア（逆ユートピア）ものの常套ではあるが、ことが「水」だけに苦い後味を残す。青年の遺志を継いで父親を倒す恋人の令嬢役、関谷春子の声が魅力的。遠山も初々しく、新人2人がいい。

　錆色に統一された張り出し舞台の中央に貧民たちの公衆便所が立つ美術（水谷雄司）も面白い。回転すると敵対する社長室にもなる。
　舞台下や段差のある客席の間を総勢48人にもなる役者が活発に動き回る演出（流山児祥）に精彩があった。

「ユーリンタウン」　東京新聞　2009年6月18日夕刊　　「刺激的わい雑空間」　　　萩尾瞳

　作品と劇場が幸せな出合いをした。作品は、皮肉なユーモアとブラックな笑いにまみれた「ユーリンタウン」。劇場は、五月に開場した「座・高円寺1」。

挑戦的な作品を得意とする流山児★事務所が初めて手掛けるブロードウエー・ミュージカルでもある。小さな空間にひしめく四十八人もの出演者がわい雑なエネルギーを放ち、作品にふさわしい刺激的な舞台となっている。　水不足のため徹底的な管理社会化した近未来、人々は有料公衆トイレの使用を義務づけられている。トイレ管理会社が政治家と結託して値上げした料金を払えない貧しい人々を率いて、青年（遠山悠介）が革命を起こす。

もともとは、実験的作品の多いオフ・ブロードウエーから発信された作品。それだけに、正統派の裏をかくオフビートな展開から、管理社会や大資本と政治の癒着、人間の愚かさなどに対する批判的な視線が浮かび上がる。
　

「ユーリンタウン」　　　読売新聞　2009年6月17日夕刊　　「瞬間・旬感」　　「実験的舞台　高まる高揚感」　旗本浩二

　タイトルをそのまま訳せば「ションベン街」。排尿を巡るホームレスと資本家との争いという題材を強調しようと、舞台上のめぼしいセットは汚らしい公衆トイレぐらい。いかにもアングラ小劇場的な雰囲気が漂う。
　だが、音楽監督の荻野清子が自ら操るピアノを軸とした軽快な楽曲が、物語の進行を効果的に盛り上げる。ミュージカルの本場でヒットしたというのもうなずける。

　劇場の2辺にL字形に客席を寄せ付け、残った空間にプロレスのリングのようなステージを置いた舞台は、50人もの出演者による大立ち回りを立体的に見せるのに役立っている。特に2階席から見ると、ステージから転げ落ちる役者たちが場外乱闘さながらに足元にまで迫ってくる。それをのぞき込んでいるうぢに臨場感が高まる。

　千葉哲也ふんする警官が劇の途中、狂言回しとしてマイクを握りしめて物語の展開を解説する趣向も面白い。先月、オープンしたばかりの公共劇場にふさわしい、実験的な舞台となっている。
　　　　　　　
　

「ユーリンタウン」　　スポーツニッポン新聞　2009年6月16日　「舞台評」　　「群舞に熱気、新人もいい」　　木村隆

東京・高円寺に新劇場がオープした。演出は流山児祥（りゅうざんじ・しよう）。わい雑と剛腕で鳴る流山児が初めてブロードウェー・ミュージカルを手がけるが、額縁舞台と異なる空間を味方にし、荻野清子ら音楽陣の豊かな演奏効果にも助けられて独自のミュージカルを仕立てあげている。

　「ユーリンタウン」とは直訳すれば〝小便の町″。なんとなく小汚いイメージだが、このミュージカルには苦い思い出がある。オフからオン・ブロードウェーに進出して話題になっていたからプレビュー公演をのぞいている。帰国したその数日後にあの悪夢がニューヨークを襲った。2001年の9・11である。あれからNYの存在は私の中からスーツと遠のいた。

　舞台は近未来の架空都市。長年の水不足から家庭での水洗トイレの使用が禁止され指定の有料トイレしか使えない。違反すれば厳罰が待つ。そこで貧しい人々が団結して立ち上がろうとする。構図はさながら「三文オペラ」風であり「蟹工船」風でもある。が、当時の印象では管理社会の窮屈さや大企業の横暴ぶりや貧困層の問題など今の社会的状況を先取りしたかのようでもありながら、どこか思いつきの域を出ていない感じだった。この感想は今でも変わらない。

群舞（振り付け・北村真実）など集団演技に熱気があり坂井香奈美、関谷春子、伊藤弘子、遠山悠介ら新人がいい。

　

「ユーリンタウン」　　毎日新聞　2009年6月15日夕刊　　「記者が選ぶ今週はコレ！」　　高橋豊

　東京・高円寺にオープンした座・高円寺が、こけら落としとしてミュージカル「ユーリンタウン」を上演。流山児★事務所の創立25周年記念公演でもある。
　脚本・詞はグレッグ・コティス、音楽・詞はマーク・ホルマン、翻訳は吉原豊司、台本は坂手洋二、演出は流山児祥。

　オフ・ブロードウェーから01年にブロードウェーヘ進出、トニー賞3部門を制覇したミュージカルだけれど、「オフ出身」らしい行儀の悪さ（つまり本音）が魅力だ。
　水が貴重になった近未来。トイレに関する法律に違反した人は「ユーリンタウン」に送り込まれてしまう。　
　日本初演は大劇場の日生劇場だったが、ユーリン（小便）をめぐる舞台なら、やはり、舞台と客席が密接な座・高円寺の方が似合う。料金も4500円と安い。

歌は決してうまくないけれど、「異議申し立て」の志に満ちている。ヒロインの関谷春子、狂言回しの千葉哲也、それに大久保鷹と三ツ矢雄二の快（怪）演を評価したい。
　

「ユーリンタウン」　しんぶん赤旗　2009年6月12日　「小劇場版の可能性を示す」　　瀧口雅仁

　演題を直訳すれば　「小便の街」。舞台は近未来の都市。危機的な水不足が長く続くことから、人々は有料のトイレを使用することを義務付けられ、それに従わない者は、ユーリンタウンという得体の知れぬ場所へ送られてしまう…。
　ブロードウェイで演じられたミュージカルを流山児が演出、舞台化。小劇場で低料金で気軽に楽しんでもらおうという趣向通りの賑やかな舞台に仕上がった。

　テーマには水の利権に目を付け、政府を巻き込んで暗躍するUCCというトイレ管理会社による圧制。そして抑圧の中で怒りを溜め込み、社会を正しい道へ導こうと革命を起こす人々との対立が描かれる。

　もちろん、そこにはお約束の主人公である男女二人の恋の芽生えと、その心情表現が歌と踊りで展開される。
　ただしポピー役の遠山悠介の歌唱力不足が否めなかった点。そしてその恋の相手であるホープ役の関谷春子が心の内を全ての人に打ち明けるためには、舞台のセンターを分捕ってでももっと大きな演技をすべきと感じた。二人が放つ「どんな人にもハートがある」というセリフが重要な意味合いを持つのだから尚更だ。その中でUCC側につく上院議員ヒップご意見番役の三ツ矢雄二の歌良し、セリフ良し、表現良しの圧倒的な存在感が、このミュージカルの手綱をしっかりと握っていた。

　革命後に訪れる結末はハッピーエンドではなく、憶測不能な未来の姿を暗示している。
そんな点からも、アングラとブロードウェイのコラボが歌い文句になっているが、小劇場版ミュージカルの可能性の大きさを感じさせる流山児ならではの舞台である。

「ユーリンタウン」　　朝日新聞　2009年6月5日夕刊　　「皮肉な笑い生きる演出」　　藤谷浩二

　流山児★事務所が初めてブロードウェー・ミュージカルに取り組んだ。5月に開館した公共劇場「座・高円寺」での初の新作公演でもある。猥雑な空間で小劇場とミュージカルの俳優48人が競演する。その熱気が革命幻想を主題にした物語と響きあい、さながらアングラミュージカルの趣がある。

　「ユーリンタウン」　（G・コティス脚本・詞、M・ホルマン音楽・詞）は「おしっこの町」の意。01年9月にブロードウェーで開幕した。近未来、干ばつによる水不足で有料公衆トイレの使用を義務づけられた貧民が「革命」に立ち上がる。荒唐無稽な筋立てに、生理現象すら規制する管理社会や巨大資本の横暴、環境問題、家族の崩壊と再生といったモチーフが投影された、実は硬派な作品だ。

　04年の宮本亜門演出による日本初演（日生劇場）は、この作品の持つ鋭い批評性やニューヨーカー好みの皮肉な笑いに届いていなかった。今回の上演は、坂手洋二の台本（吉原豊司翻訳）が劇の持つ多義性と辛口のユーモアを浮かび上がらせ、アクの強い俳優たちが寓話に生々しさを与えている。スピーディな流山児祥の演出も相まって、見ごたえがある。

　悪徳警官の千葉哲也、公衆トイレを牛耳る汚職社長の塩野谷正幸、トイレ管理人の伊藤弘子ら常連組の厚みのある演技と、ヒーローの遠山悠介、ヒロインの関谷春子の新人コンビの初々しい演技とのコントラストが面白い。ヒーローの父の大久保鷹のすっとぼけ（役名も！）ぶりも愉快だ。

　歌唱力とダンスにばらつきがあり、名作ミュージカルのパロディーの要素が薄まったのは残念。しかし音楽監督の荻野清子がピアノも担当するバンドは、4人編成とは思えない多彩な音を奏でる。　ニューヨーク・フリンジ（小劇場）発の舞台だけに、小劇場での上演も奏功している。

　

　パラダイス一座「オールド・パンチ～カルメン戦場に帰る」（東京・下北沢・本多劇場）。作・山元清多（黒テント）、演出・流山児祥。3年間が期限の平均年齢80歳近い世界に類をみない高齢者劇団の最終公演。なんといってもパワーがすごいしカラフルだ。歌って踊って、一芸を披露する。スタッフもキャストも超一流の顔ぶれである。92歳の日本の演劇界の最長老の成井市郎を筆頭に瓜生正美、中村哮夫、本多一夫、肝付兼太の五人の俳優を中心に、今回はふじたあさや、二瓶鮫一が加わった。岩淵達治は映像出演ながら元気なところをみせていた。そして、音楽の林光がピアノの生演奏を聞かせるという豪華版。美術は妹尾河童、ヨーロッパ風のしゃれたバーの出現である。流山児がいちばん若くて61歳、まだまだである。

　舞台はいまから20年前、「昭和」の終わる日の四谷の名物ゲイバー「つばさ」。ここに、ビルマ戦線から帰還してゲイになった7人の元兵士たちが集まってくる。7人の登場人物には七福神にあやかって、弁天、毘沙門、大黒などとつけられている。女装にもこだわっているところは笑いがつまっている仕組みだ。戦争の体験談も随所に出てくる。それぞれの人生の重み、時代にたいして真撃に生きてきた証左そのものである。脚本が俳優の特性をよく取材して、あてがきに近いこともあって、説得力をもたせていた。
　「椰子の実」を客席といっしょに歌うことに感動していた人もいた。

また、終演後にアフタートークを設け、俳優の苦労談義などきかせ、観客との交流を大事にすることの重要さを感じた。楽しく、おかしく、さらに芝居の醍醐味に大満足だった。

　

演出家の流山児祥が「三年間期間限定」で旗揚げした高齢者劇団「パラダイス一座」の最終公演、山元清多作「続々オールド・パンチ－カルメン戦場に帰る」（二〇〇九年二月八日－十五日本多劇場）が、観客に惜しまれながら成功裡に幕を降ろした。平均年齢八十歳近く、世界に類を見ない出演者の顔ぶれは、その道を極めた個性豊かな大ベテランばかり。文学座の演出家・戌井市郎さんは九十二歳。「役者」の最長老である。ゲイ・バー「つばき」のママ弁天・ローズを名乗り、真っ赤なドレスに蓄薇の花をくわえ、颯爽と登場した。確かな演技力と凄い存在感に圧倒される思いがした。

出演は戌井さんを筆頭に青年劇場の劇作・演出家瓜生正美（八十四）、演出家中村哮夫（七十七）、劇場経営本多一夫（七十四）、俳優∴演出家肝付兼太（七十三）、映像参加の独文学者岩淵連泊（八十一）、新参加の劇作・演出家ふじたあさや（七十四）と全員がゲイの役。ビルマ戦線から生還した元兵士たちが戟争責任をとり復員後「男」を捨てゲイとして生きた話で、昭和天皇崩御の日にローズを死んだことにして葬式を出し自分たちの戦後を終わらせる重いテーマである。

ショータイムで成井さんは艶やかな振袖姿を披露、「椰子の実」を歌いながら死んだ戦友に会いに六人でビルマに行く。

高田：それでは次に、流山児★事務所パラダイス一座で「続々オールド・パンチ～カルメン戦場に帰る～」をお願いします。山元清多脚本、流山児祥演出、林光音楽、妹尾河童美術。本多劇場でやりました。昭和の終わりの日、四谷の名物ゲイバーつばき。ビルマ戦線から帰還してゲイになった七人の元兵士たちが戦後史を語る。今回、パラダイス一座三部作の完結編ということになります。

山下：戌井市郎さんがなさっているんですが、ゲイバーのママのお葬式に、その友達らしい人たちが集まってくる。それでお葬式が始まるかと思いきや、死んだはずのママ、ローズは生きていた。大筋は、ゲイバーの経営権をめぐるすったもんだですね。新たに経営権を握っている社長の二瓶（鮫一）さんや、藤井びんさんが戌井さんの甥として水戸から出てきたりします。

戌井さん、瓜生（正美）さん、中村（嘩夫）さん、本多（一夫）さん、肝付（兼太）さん。みなさんが見事な女装をされて、それぞれの芸を出される（笑）。やっぱり戌井さんは見事なものでした。最初にもらうリーフレットに、七福神音頭ですとか、椰子の実の歌詞が印刷してあって、開演前に「芝居中に歌いますから、みなさん一緒に歌ってください」といわれます。これは珍しいなと思ったんですが、お客さんが全然抵抗なく楽しんで歌うんですね。とはいえ、七福神音頭、これは東京オリンピック音頭の替え歌ですけれども、さすがに若い人は知らないんだろうなと。その後の万博のほうの歌は覚えていても、こつちはなかなか今は出てこないのかもしれないなという気はしました。
　

演劇界の重鎮ばかりを招集！しかも、演技はウン10年orまったくやってないという先生方の多くを俳優に起用・・・。そんな、とてつもなく破天荒な期間限定劇団が、3作目にしてついにファイナル。思い起こせば役の設定も型破りだった。1作目は銀行強盗団、2作目は元殺し屋。そして今回は、伝説のゲイバー「つばき」にかつて集っていた旧知のゲイ仲間。ママのローズを演じる92歳最年長俳優・戌井市郎が、カルメンよろしく「恋は野の烏」を歌い登場するや、客席からはどよめきと喝釆が。

物語とは無関係な恒例の余興タイムでは、ほんわか空気が流れる。そんな彼らが、数奇な人生を歩むことになった原点は、ビルマでの戦争体験。笑い多き中で、時に発せられる反戦メッセージが胸を打つ。

最後に装置が急転、舞台は“戦友”の待つビルマの海岸へ。人生の総決算に臨む晴れやかな笑顔が、最終公演を成し遂げたご本人たちの達成感も思わせて、何だか清々しかった。

■劇評■（2007～）

「田園に死す」 雑記帳（１） 「もずくスープね」２００９年１２月２３日 あんどうみつお

「田園に死す」 雑記帳（２） 「もずくスープね」２００９年１２月２３日 あんどうみつお

「田園に死す」　　雑記帳（１）　　「もずくスープね」２００９年１２月２３日　　　あんどうみつお

「田園に死す」　　　雑記帳（２）　　　　「もずくスープね」２００９年１２月２３日　　　　　　　　　　　　あんどうみつお